Andrés Veramendi: “El público siempre merece lo mejor”

Andrés Veramendi como Don José en Carmen

Andrés Veramendi como Don José en Carmen (Fuente: A. Veramendi)

Por Pablo Macalupú Cumpén
@Camello Parlante

El tenor peruano explicó (en la primera parte) que una de las situaciones que pasan constantemente los cantantes de ópera es que queman rápidamente etapas, es decir, aprovechan las propuestas y roles que les ofrecen a pesar de que haya algunos que no son para su voz o que tarde o temprano puedan dañarla.

En esta segunda parte, conversé con Andrés Veramendi sobre su trabajo y a lo que apunta. Además, ofrece una visión personal de las políticas culturales en nuestro país, opina sobre la crítica en Lima y cuenta sobre sus próximos proyectos.

Camello Parlante: Como tenor, ¿a cuánto tiempo proyectas tu carrera, cuánto te gustaría hacer?

Andrés Veramendi: Quisiera hacer todo lo posible para que mi carrera tenga 20 o 30 años, pero eso no lo defino yo. Es más lo que sucederá en el futuro, con mi destino. Quizá también en un par de años más me harto y me retiro.

Por el momento, yo aspiro a seguir cantando, pero también sé que me voy a cerrar muchas puertas, cuando tú cantas y te piden hacer cosas que no estás de acuerdo, como abordar un repertorio que no es para tu momento actual. Por ejemplo, me han ofrecido hacer el Cazador Furtivo, pero yo he dicho que no porque eso es para un Heldentenor.

Yo quiero conservar mi voz, a mí no me interesa ser famosísimo rápidamente. Hay gente que sí, decide que ese es su camino y llega muy alto en un año, pero luego cae con la misma rapidez.

CP.: ¿En un cantante reside la decisión para aceptar o rechazar un rol?

A.V.: Sí. Cuando uno tiene mucha presión encima es muy difícil. Lo que pasa es que hay que luchar por toda la presión que hay alrededor. A veces no eres tú sino el entorno, la prensa, todos…

La gente cree que nosotros somos unas máquinas que podemos cantar siempre bien todos los días y que nunca nos podemos cansar. Y si tenemos una mala noche, estamos malogrados, ya no tenemos voz, no servimos para nada. Eso es injusto.

CP.: ¿Crees que la crítica ayuda o vapulea al artista?

A.V.: Como artista, no creo en las críticas. Esto va dirigido a cierto sector del público que las consume. Yo prefiero quedarme con el aplauso del público y eso es suficiente.

El mejor crítico para un artista es uno mismo. Yo mismo sé lo que me falta, cuáles son mis atributos, por dónde debo ir y qué debo mejorar. No necesito que un señor me recuerde, en un medio, algo que ya sé.

Nosotros estamos en un constante mejorar y siempre estamos escuchando y estudiando, esta carrera es así. Estamos en constante aprendizaje y mejora, y esta es para el público. El público siempre merece lo mejor.

La voz del tenor

CP.: ¿Qué roles has trabajado?

A.V.: A ver. Mario (Tosca), Alfredo (Traviata), Don José (Carmen), Turiddu (Cavalleria), BF Pinkerton (Madama Butterfly)… he hecho algunas selecciones de ópera de La Bohème (Rodolfo), Macbeth, Rigoletto. Me encantaría hacer Lucia di Lammermoor. De hecho, tengo una propuesta para el próximo año, quizá debute el rol. Me gustaría también hacer Rodolfo en La Bohème, donde tengo otra propuesta. Prefiero concentrarme en este repertorio de tenor lírico.

CP.: ¿Cuál consideras es el rol más difícil?

A.V.: Turiddu es un rol muy complicado. Cada papel, en realidad, tiene su etapa y momento de dificultad. En zarzuela, por ejemplo también hay momentos difíciles.

CP.: ¿Prefieres solo hacer ópera o te dedicarás también a la zarzuela como has venido haciendo?

A.V.: Yo no tengo ningún inconveniente en hacer ópera y zarzuela en paralelo. Depende si te llaman y te convocan.

CP.: ¿Pero la zarzuela no es para lucir más a los barítonos?

A.V.: Lo que pasa es que el barítono tiene más repertorio. La mayoría de zarzuelas están escritas para esa voz. El tenor tiene muy poco salvo Doña Francisquita, Luisa Fernanda, Leyenda del Beso, Tabernera del Puerto… las más taquilleras. De ahí unas menos conocidas y se acabó. A mí me encanta la zarzuela y si hay oportunidad de hacerla, la hago.

CP.: ¿Quiénes son tus cantantes referentes?

A.V.: Me gusta mucho escuchar a Gigli, de los más antiguos. Luego tenores como Bergonzi y Domingo. De los actuales me gusta mucho Roberto Alagna.

CP.: ¿Con el paso del tiempo afrontarás más roles?

A.V.: De hecho, la voz evoluciona, hay edad y etapas. Uno tiene que saber adaptarse a su momento. Es normal. Cuando tenga 50 sería ridículo que salga del Duque de Mantua, por poner un ejemplo.

CP.: ¿En qué países has cantado y qué piensas de los públicos que has encontrado en cada país?

A.V.: He cantado en Chile, Ucrania, Colombia, Cuba, España, Italia. Todos los públicos tienen algo distinto… no sabría decirte. Pero el público peruano es el más cálido.

Como Alfredo en La Traviata - Santiago, Chile

Como Alfredo en La Traviata - Santiago, Chile

El Perú y las políticas culturales

CP.: A propósito de la nómina de la Revista Cosas sobre los 18 peruanos talentosos con más proyección, ¿piensas que es difícil que a uno lo consideren en su país?

A.V.: Yo creo que sí. Convencer en tu país es mucho más difícil que afuera. Sobre todo porque yo creo que somos muy exigentes, o no sé, pero el Perú es muy difícil.

CP.: ¿Crees que se está apostando más por los talentos peruanos?

A.V.: Sí, y espero que esto se mantenga.

CP.: ¿Cómo compararías al público peruano con el de España?

A.V.: En realidad, no hay mucha diferencia. Lo único podría ser que en España tienen acceso más directo y rápido a la cultura, algo que todavía no tenemos. Una persona en España puede ir al teatro y ver grandes cantantes y temporadas de ópera a lo largo de todo el año, que a veces son 10 o 12 títulos por año. Nuestra temporada es muy reducida.

Entonces aquí solamente nos limitamos a pocos títulos y a lo que se tiene en el cine, en algunos teatros y luego DVDs y eso.

CP.: ¿La industria cultural se puede desarrollar en Perú?

A.V.: Sí, yo creo que sí. Poco a poco se quita muchas cosas. Se está abriendo el campo. Esta es por ejemplo una de las labores que hace Romanza. Ellos le dan un nuevo tinte a la ópera, en cuanto a producciones.

Si bien tuvimos una gran continuidad de ópera desde hace 30 años con Prolírica, gracias a Luis Alva, que en su momento tuvo gran mérito. En Lima se presentaron títulos que no se daban. Fue muy meritoria su labor.

Justamente lo que Romanza toma depende mucho de lo que hizo Prolírica, porque al final es el mismo público que ha cambiado. Es el mismo camino, claro que los tiempos cambian y Romanza toma la posta, pero le da otro enfoque en lo que es producción.

CP.: ¿Tú crees que se esté apostando más por los peruanos gracias a representantes como Juan Diego Flórez, tú u otros que están destacando de igual forma?

A.V.: Yo creo que esto se lo debemos principalmente a Enrique Bernales, que cree en nosotros y apuesta por nosotros, además a Miguel Molinari. Ellos son quienes apoyan a los cantantes. Creo que sin ellos, nadie sabría que existimos.

CP.: En el tiempo en que Romanza y Prolírica estuvieron juntos (más o menos 2005-2008), ¿consideras que fueron competencia?

A.V.: No eran competencia, eran dos espacios que se abrieron para hacer lo mismo, ópera. Eso como hablar de Buenos Aires en donde tienes el Teatro Colón, el Avenida… es así. Como aquí que hay TUC y USIL… La finalidad es la misma: hacer cultura.

Lo que sí es una pena que hasta el día de hoy sea solo la entidad privada que se encargue de esto. Debería ser como en otros países en que el Estado apoye junto a la entidad privada. Romanza necesita apoyo económico para que las temporadas crezcan.

El estado descuida mucho la cultura. Debería proteger los distintos campos del arte, junto a la empresa privada. Que el estado no sea ignorante y que apueste por la cultura. Eso lograría que las temporadas de teatro, ópera, ballet se amplíen.

Ahora, sería desubicado comparar al Perú con Estados Unidos o con Europa, porque somos un país emergente. Pero tenemos un ejemplo inmediato que es Chile. Desde el 82 tienen un teatro estable que funciona muy bien con 6 títulos por año y doble reparto internacional y local (Teatro Municipal).

Deberíamos aspirar a tener algo igual y unir esfuerzos. Yo creo que en ese sentido hay buenas iniciativas privadas en el Perú con Romanza y el Festival Granda que hacen temporadas de ópera. Es positivo, pero difícil.

Hacer ópera es mucho más caro que hacer teatro, ballet o un concierto de rock, porque es así. La gente a veces no se da cuenta, pero una producción de ópera tiene como mínimo 60 músicos acústicos que están en un foso de orquesta tocando durante funciones y ensayos. Un coro de voces líricas, solistas, gastos de producción en escenografía, luces, vestuario. Todo demanda un mayor gasto de dinero, más aún si quieres hacer algo de calidad.

Yo creo que son loables las expectativas de Romanza, ellos le dan una nueva tónica a la ópera con producciones frescas y más actuales.

CP.: ¿Debería haber más escuelas, un teatro estable…?

A.V.: Si se arma un teatro estable, si es que deciden que el Teatro Municipal o el Nacional sean teatros estables ya es un cambio, ¿no? Ahí podría haber un sitio donde los cantantes puedan desarrollarse.

Sucede que en Estados Unidos o Europa hay la facilidad de que hay compañías chicas que montan óperas, pero con producciones, no con piano o dos cosas como hacen los talleres acá. Y esta es una oportunidad para que la gente cante, debute y vaya haciéndose. Y sintiendo si puede o no puede. Si no tiene aguante a la presión y decide no ser solista.

Hay que saber diferenciar un solista de un coreuta y de un lírico pop. Quizá porque te genera más fama o entrada económica decides por este último, pero ya sabes, si haces lírico pop no puedes alternar con la ópera.

Veramendi y Llanos en Cavalleria

Veramendi y Llanos en Cavalleria Rusticana

De fusiones y canto

CP.: ¿Qué opinas del Lírico Pop?

A.V.: Yo creo que las fusiones son importantes e interesantes desde el punto de vista de difusión. Lo malo es que la gente empieza a malinterpretar o confundir y piensa que eso es ópera y no lo es.

Que una persona cante un Nessun Dorma o un aria con un micrófono no lo hace cantante de ópera. Puede ser cantante lírico, pero no de ópera.

Mi opinión personal es que estoy de acuerdo con el lírico pop porque es una manera de abrir campo a más público para que conozcan la ópera, pero deberían ser más específicos al separar las cosas, “esto es lírico pop y esto es ópera, conózcanlo”. La ópera es acústica, no amplificada.

CP.: ¿Crees que el gusto por la ópera se va formando o es una sensibilidad propia de la persona?

A.V.: Creo que es una sensibilidad que está en la persona y se va explotando poco a poco y con obras fáciles. Es bueno que alguien inicie con Carmen o Traviata, por ejemplo. No se podría empezar con Lakmé o la Tetralogía de Wagner porque se pueden aburrir.

CP.: ¿Hay una edad adecuada para empezar a estudiar canto?

A.V.: El canto se puede estudiar desde niño, pero hay una etapa peligrosa y esa es cuando se produce el cambio de voz. En los hombres a los 13 y 14 años, más o menos. De ahí, se puede aprender a los 15 o 16.

En esa etapa más que emitir se debe enseñar a respirar, es el momento de formación de un chico, entonces hay que enseñarles eso, el sistema respiratorio, el de apoyo, diafragmático. Recién se puede enseñar a cantar luego de eso, a emitir y a ver qué tesitura tiene y abordará. Con el estudio la voz va cambiando.

CP.: Y ¿qué cuidados debe tener la voz para que esté siempre en un óptimo nivel? ¿Cómo cuidas tu voz?

A.V.: El cuidado principalmente es no exponerse a gritos, a problemas personales, por eso, las cuerdas se resienten. Cuando uno lleva una vida de problemas, de excesos, abusas de tu cuerpo mucho a fiestas o tomas mucho, te afecta la voz.

CP.: Como pasó con la Callas…

A.V.: Claro, ella descuidó y empezó a hacer cosas que con un cantante lírico no son compatibles, como trasnochar, pero de una manera negativa, en reuniones sociales donde hay licor y otras cosas. Cometer tantos excesos a diario es malo, te deteriora. Además, dejar de estudiar.

CP.: ¿Y manejar la etapa personal y profesional es complicado?

A.V.: Cuando uno lleva una vida normal y tranquila no tiene problemas en el aspecto profesional.

CP.: ¿Cómo definirías a un buen cantante de ópera, cuál sería su perfil?

A.V.: Creo que por encima que sea un buen cantante, que tenga una buena línea de canto y buena técnica, debe ser un gran artista, que haga sentir y transmita. Debe convencer. Luego viene la parte estética, que cante bien, frasee bien.

España y los próximos proyectos

CP.: ¿Qué tal el rol de Pinkerton?

A.V.: Pues bien, yo estaba haciendo Norma (Festival Granda, Callao) acá y de pronto me convocaron para hacer Madama Butterfly. En realidad, todo rol es difícil, yo tenía a Pinkerton en el repertorio pero no lo había estudiado. Fue rapidísimo. La primera presentación fue un poco complicada porque no ensayé. No había tiempo.

CP.: Y la experiencia en el Real…

A.V.: Me gustó, fue interesante, una experiencia muy buena.

CP.: ¿Qué proyectos tienes para los próximos meses?

A.V.: Pues tengo conciertos en España y en Chile. En febrero tengo ópera, Macbeth en Bilbao, en Madrid, Traviata y Butterfly. Luego algunas propuestas no muy claras por analizar. Hacer audiciones y estoy en conversaciones con Romanza para hacer La Bohème el 2011. También me encantaría hacer Madama Butterfly acá.

Cuando me preguntaban el año pasado qué tenía para el 2010, decía que nada, pero este año han ido apareciendo muchas cosas.

CP.: Entonces, ¿hay que aprovechar las oportunidades?

A.V.: Sí, yo creo que hay que aprovecharlas, pero solo en el momento preciso. Si me dicen que cante Andrea Chénier, yo digo no. No puedo quemar etapas. Por Trovador tampoco no, porque puedo tener la voz, pero no la edad.

CP.: Y podrías afectar el Alfredo de Traviata…

A.V.: Sí pues, es otro tipo de canto.

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Nota: El título de este post era en realidad el título de toda la entrevista que, debido a su extensión, decidí separar en dos partes. La razón de que esta cita textual sea para la entrevista completa era que, a mi criterio, expresaba las características mencionadas en la primera parte de este post.
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